Top 100 ban nhạc rock miền nam năm 2022
|
100 BAN NHẠC ROCK CỦA MỌI THỜI ĐẠI Show
1. The Beatles 2. Queen 3. Pink Floyd 4. Led Zeppelin Led Zeppelin, bao gồm ca sĩ Robert Plant, tay guitar Jimmy Page, tay bass/ keyboard John Paul Jones, và tay trống quá cố John Bonham, đã trở thành ban nhạc hard rock kinh điển của thập niên 1970, họ tạo ra một trong số các ban nhạc rock đáng nhớ nhất từ trước đến nay. Led Zeppelin đã bán được 111,5 triệu đĩa đơn và album ở Hoa Kỳ, nhiều thứ năm theo thống kê từ RIAA. Nổi lên từ đống tro tàn của ban nhạc Yardbirds, ban nhạc đã đi khắp Vương quốc Anh và Mỹ không ngừng nghỉ vào năm 1969 và xây dựng một đội ngũ trung thành. Bài hát " Stairway to Heaven" của họ được người hâm mộ gọi là bản nhạc rock hay nhất từ trước đến nay. Bảy trong số các album của họ đã lên vị trí số 1, bao gồm "Houses of the Holy," "Physical Graffiti," and Led Zeppelin IV" đã bán được hơn 23 triệu bản. 5. The Rolling Stones 6. Metallica Theo báo cáo của BBC, dẫn đầu thể loại metal Metallica là một trong những ban nhạc thành công nhất về mặt thương mại mọi thời đại, bán được hơn 125 triệu album. Họ đã phát hành 10 album phòng thu trong sự nghiệp gần 40 năm của mình, sáu trong số đó đã đứng đầu bảng xếp hạng album Billboard 200. Chúng bao gồm album “Metallica” năm 1991 của ban nhạc, đã dành 560 tuần trên bảng xếp hạng, khiến nó trở thành album phòng thu xếp hạng dài thứ hai (không tính các bản tổng hợp hit lớn nhất) trong lịch sử của bảng xếp hạng nhờ các bài hát như "Enter Sandman" và "Nothing Else Matters". 7. AC/DC 8. Guns N' Roses 11. Nirvana 15. U2 19. The Doors 20. Jimi Hendrix 21. Fleetwood Mac 23. Black Sabbath 27. Pearl Jam 28. Van Halen 29. Creedence Clearwater Revival 30. KISS 34. Iron Maiden 37. The Police 45. R.E.M. 46. Deep Purple 48. Evanescence 54. Dire Straits 56. Kinks 57. Genesis 58. Foreigner 61. Alice in Chains 65. Electric Light Orchestra 70. Janis Joplin (Big Brother and the Holding Company) 74. Blondie 75. Megadeth 78. Judas Priest 80. Soundgarden 92. Grand Funk Railroad 93. The White Stripes 98. Eurythmics
(Theo MSN và được dịch bởi Google) Growing up in Atlanta in the 1970s and ’80s, “Southern rock” meant a very specific thing: long-haired bands like Molly Hatchet, the Allman Brothers and Lynyrd Skynrd playing extended guitar solos with enough bluster to pick a fight at any smoky roadhouse. It was part country redneck, part psychedelic hippie, and it dominated the FM radio stations of my childhood (looking at you 96 Rock). By the ’80s, Southern rock meant ZZ Top, Georgia Satellites and The Black Crowes, reviving the guitar licks of their forebears for a new generation. But it was also starting to mean something else. In college towns like Athens, Ga., and Winston-Salem, N.C., a distinct Southern jangle was emerging, mixing the post-punk of New York, the pop of Big Star, and the roots music that bands like R.E.M., Let’s Active and The dB’s were weaned on. The branches of Southern rock began to creep outward. Today, “Southern rock” means everything from the earthy synths of My Morning Jacket to the future soul of The Alabama Shakes. But the origins origins of rock in the South also go back much further than Duane Allman playing guitar for the R&B hitmakers at FAME Studios in Muscle Shoals in the 1960s. Bo Diddley, Little Richard and Fats Domino were among the first musicians to put Southern cities on the rock ‘n’ roll map. They were quickly followed by Southern icons at Memphis’s Sun Studio like Elvis Presley, Jerry Lee Lewis and Johnny Cash, whose early singles were as much rockabilly as country. So when we compiled the 50 Best Southern Rock Albums of All Time back in 2018, we made sure the results were a little broader than the usual suspects. As long as the music was undoubtedly Southern (from Texas to the Carolinas, Kentucky to north Florida) and undoubtedly rock, it was on the table. That meant bands like The B-52’s and Of Montreal, who could have come from Mars, aren’t included. And bands like Creedence Clearwater Revival and Little Feat, who sound Southern but have no claim to these lands, are also absent. But the inclusion of early rock albums and modern torchbearers like Drive-By Truckers also means we didn’t have room for some roots rock standards like Atlanta Rhythm Section, Boz Scaggs and Dixie Dregs, which you’ll find on most every other list. What follows are the Best Southern rock albums as voted by Paste’s music editors and writers, after long debates on what should qualify. As always for these lists, we limit each act to two albums. We think this approach results in a more interesting list, celebrating all of the South’s contributions to rock ’n’ roll. And you can tell us what we missed on our Facebook page. —Editor-in-Chief Josh Jackson [Editor’s Note: This list was updated from its original publish in February of 2018] 50. Sir Doug and the Texas Tornados: Texas Rock for Country Rollers (1976)Is Texas really part of the South? It depends on who you ask, but the answer is no. And yes. It depends. During his 30-plus-year career, Doug Sahm embodied that conundrum, melting the full range of Texan musical idioms—country, blues, Tejano, rock—into a singular (and singularly powerful) body of work. You’re probably familiar with his ‘60s band, The Sir Douglas Quintet, and might remember his early ’90s supergroup, The Texas Tornados. In 1976 he crammed those two band names together and made what might be his finest album, squarely within either the Southern-rock or country-rock traditions. It’s a laidback, ramshackle country-blues affair, with some of Sahm’s best originals (including “Give Back the Key to My Heart” and “You Can’t Hide a Redneck (Under That Hippy Hair)”), a cover of the country classic “Wolverton Mountain,” and a medley of Gene Thomas songs. —Garrett Martin 49. North Mississippi Allstars: Electric Blue Watermelon (2005)Luther and Cody Dickinson, the sons of legendary Memphis producer, songwriter and pianist Jim Dickinson, brought a punk-rock spirit to the Southern-rock lyricism of the Allman Brothers and reached beyond the usual influences of the Mississippi Delta region to embrace those of the state’s Hill Country: the African-sounding music of Otha Turner’s cane fifes and the droning blues vamps of R.L. Burnside. On their fourth album, those roots blossomed into the Dickinson sons’ first monumental songs, which fit in comfortably with the three Turner originals. This recording pulls off the neat trick of sounding untraceably old and urgently new at the same time. —Geoffrey Himes 48. Kentucky Headhunters: Pickin’ on Nashville (1989)If ever there were an album that established a brand, the debut from the Kentucky Headhunters would certainly qualify. It not only marked a real revival of true Southern rock, but gave the band its initial success. Pickin’ on Nashville spawned four successful singles—“Walk Softly on This Heart of Mine,” “Dumas Walker,” “Oh Lonesome Me,” and “Rock ‘n’ Roll Angel,” earning them a Grammy, two CMAs and top honors from the Academy of Country Music. They would be hard-pressed to achieve those distinctions again, and radio’s love affair with the band was short-lived due to the fact they proved too rocking for country and too country for rock. —Lee Zimmerman 47. Adia Victoria: Silences (2019)
46. Webb Wilder: It Came from Nashville (1986)Although Webb Wilder was born in Hattiesburg, Miss., his solo debut focused on an auspicious homage to Nashville, the place he came to call home. The mix of deadpan humor and everyday happenstance resulted in a kind of brash irreverence, an attitude that offered the decided impression that he was given to a skewed perspective. Musically, it echoed any number of precedents—Elvis, Jerry Lee and Steve Earle (whose song “Devil’s Right Hand” Wilder rendered with added urgency), chief among them. Likewise, rockabilly, cow punk and country caress were combined in equal measure, making for a rowdy and rousing rave-up that precludes any kind of passive encounter. A definitive view of Music City from a doggedly determined point of view, It Came from Nashville fuses past with present in wholly irreverent ways. —Lee Zimmerman 45. Rosanne Cash: The River & the Thread (2014)With a voice like good claret or damp moss, Rosanne Cash’s singing is something to sink into. Surrender to the tones, mostly dark, but marked by the occasional glimmer of light, and let the emotions they contain seep inside. For Cash, the emotions on The River & The Thread are complex and tangled, especially the Grammy-winner’s own difficult relationship with the South, her roots and her own musical journey. What emerges, beyond a woman grappling with a legacy as much in the rich bottom land as her father Johnny’s iconic presence as the voice of America, is a knowing embrace of the conflicts in the things we love. The 11-song cycle is mostly a meditation on the textures and musical forms that emerged South of the Mason Dixon. Finding not just resolve, but acceptance is a gift. Cash, who’s sidestepped her heritage, and eschewed a career as a country star with 11 Number Ones, a marriage to a country writer/producer/artist Rodney Crowell and the city/industry where she found prominence, savored her wandering and the Manhattan life she built. With The River & The Thread, she comes home with the warmth reserved for knowing where we’re from. As powerful a witness for the region—Memphis, Mississippi, Alabama, Arkansas—as it is a lovely quilt of musicality, braiding blues, folk, Appalachia, rock and old-timey country, this is balm for lost souls, alienated creatures seeking their core truths and intellectuals who love the cool mist of vespers in the hearts of people they may never encounter. —Holly Gleason 44. Johnny Winter And: Johnny Winter And (1970)A decade before Stevie Ray Vaughan unleashed his Texas Flood, the Lone Star gunslinger to be reckoned with was Johnny Winter, an albino from Beaumont who put the blues world on notice with his first two albums, 1969’s The Progressive Blues Experiment and Second Winter. With muscular, rapid-fire guitar lines and an imposing tenor growl, Winter was quickly embraced as an heir to the Kings—B.B., Albert, Freddie—and a quintessential Texas outlaw. For his third record, he made an abrupt turn, assembling a new band co-starring himself and the pop-oriented guitarist Rick Derringer, and releasing Johnny Winter And, a mix of Derringer-derived rock songs and Winter’s searing blues. One of the great Southern Rock blueprints, Johnny Winter And puts a roadhouse spin on the riff rock of the era—Zeppelin, Hendrix, Santana. Opener “Guess I’ll Go Away” rides a Cream-like ascending guitar line. “Am I Here” slows it down with a jangly lead, organ, and some classic-rock harmonies, leading into the slide-happy “Look Up.” Elsewhere, a cover of Traffic’s “No Time to Live” and an early version of Derringer’s “Rock and Roll, Hoochie Koo” cemented Winter’s rock bona fides. —Matthew Oshinsky 43. Wet Willie: Keep On Smilin’ (1974)From Macon by way of Mobile, Wet Willie were ‘70s mainstays on Capricorn Records, which was essentially the Motown for Southern rock. Compared with such labelmates as The Allman Brothers Band and The Marshall Tucker Band, Wet Willie were a tight, concise pop band that combined blue-eyed soul and Southern boogie woogie into slickly produced four minute pop songs. Their third album, Keep On Smilin’, is best known for the title track, an AM Gold-ready shot of pure pop positivity that cracked the top ten in 1974; all together the album is a great example of the more unabashedly commercial-minded and crowd-pleasing side of Southern rock. —Garrett Martin 42. St. Paul and the Broken Bones: Half the City (2014)
41. Elvis Presley: Elvis Presley (1956)Released in 1956, Elvis Presley’s self-titled debut was far more than a record: It was the vehicle for the creation of one of pop culture’s greatest icons. Featuring tracks from Presley’s Sun Studio sessions in Memphis and RCA studio recordings in both New York and Nashville, Elvis Presley introduced Presley’s smooth, seductive vocal style to the world. Hits like “Blue Suede Shoes” and “I Got a Woman,” though written by Carl Perkins and Ray Charles, respectively, would soon become synonymous with Presley’s sex-symbol status. Young women around the globe were never the same, and neither was rock music in the South. —Loren DiBlasi 40. Georgia Satellites: Georgia Satellites (1986)Every class needs a clown, and The Georgia Satellites played the role with panache among their Southern rock peers. Though the band had serious musical chops and an appealing fondness for blaring, dirty-sounding guitar riffs, singer and primary songwriter Dan Baird had a roguish streak that resulted in the band’s 1986 single “Keep Your Hands to Yourself.” It it was their biggest hit, but that mischievous undercurrent runs through most of Georgia Satellites, which is full of songs that are smarter than they appear. Along with the greasy rocker “Red Light” and guitarist Rick Richards’s vocal turn on “Can’t Stand the Pain,” the album includes the raucous harmonies of “Battleship Chains” by Baird’s kindred spirit, Terry Anderson. — Eric R. Danton 39. Drivin’ n’ Cryin’: Mystery Road (1989)Though it might have lacked the punk freedom of their first two albums, Scarred But Smarter and Whisper Tames the Lion, Mystery Road is where the Atlanta rock band fully embraced their Southern roots for a more unforgettable sound. Starting with the fiddles on “Ain’t It Strange” and Southern crunching guitars of “Toy Never Played With” to the Red Clay power-ballad “Honeysuckle Blue” and culminating in the bad-boy anthem “Straight to Hell,” this was the pinnacle of Southern rock in the late 1980s. Even R.E.M.’s Peter Buck showed up to play some dulcimer. Kevn Kinney was a folk troubadour at heart, but bassist Tim Nielsen, guitarist Buren Fowler and drummer Jeff Sullivan all added more than a touch of Allman Brothers and Skynyrd influence to the point that follow-up Fly Me Courageous had the band touring in leather and playing arena rock. But on this album, the balance between punk beginnings, country leanings and ’70s Southern FM radio adoration was just about perfect. —Josh Jackson 38. James Luther Dickinson: Dixie Fried (1972)There are many routes to discovering Jim Dickinson. As an in-house producer at Ardent Studios in Memphis in the ‘60s, he later co-founded The Dixie Flyers, a group of session musicians who replaced the Muscle Shoals Rhythm Section as Atlantic’s preferred backing band, where he played on early ’70s records for Aretha Franklin, Sam & Dave, Jerry Jeff Walker and more. In the mid ’70s he worked with Big Star and Alex Chilton on the gloriously ramshackle albums Third/Sister Lovers and Like Flies on Sherbert. He traversed both mainstream and underground throughout the rest of his career, working with bands as diverse as the Replacements, Primal Scream, the Jon Spencer Blues Explosion, Screamin’ Jay Hawkins and Bob Dylan. Between all this he still found the time to put out a half-dozen solo albums, the first of which, 1972’s Dixie Fried, can sound as unhinged as those Big Star and Chilton albums. It’s a woozy trip through a variety of Southern traditions, from folk to country to rockabilly, with the unifying factor being Dickinson’s peculiar intensity. The album’s standout track, a dizzy, stumbling version of Dylan’s “John Brown” that constantly seems to be swallowing itself, almost recalls Pere Ubu, if they were from Memphis instead of Cleveland and played boogie instead of punk. It’s proof that even in the early ’70s there was a weirder, artier side to Southern rock. —Garrett Martin 37. Band of Horses: ngừng bắt đầu (2007)Theo truyền thống, South Southern Rock đã gợi lên Muttonchops và Quỷ dữ đi xuống Georgia, nhưng thể loại Tapestry Tapestry chắc chắn bao gồm cả tâm lý vạn hoa của R.E.M. và sự kiên nhẫn giới hạn của áo khoác buổi sáng của tôi. Ban nhạc của những con ngựa đã được sắp xếp vững chắc với trại sau, nhưng được sinh ra từ những cơn mưa khắp nơi ở Seattle, và văn hóa cà phê tiếp viên. Ca sĩ/tay guitar Ben Bridwell, một người miền Nam sinh ra, đã thuyết phục các đồng nghiệp của mình trở về quê hương South Carolina, một nơi anh chạy trốn sau khi thấy mình trong một loạt rắc rối. Bản phát hành sinh viên năm thứ hai của ban nhạc, The Churchillian có tiêu đề ngừng bắt đầu, đánh dấu một chương mới trong sự phát triển của Band of Horses, cũng như một sự thay đổi trong văn bản của Bridwell, xuất hiện từ chủ nghĩa ấn tượng tập trung nhẹ nhàng theo phong cách kể chuyện hơn. Hơn bất cứ điều gì, Cease To Begin đại diện cho âm thanh của một nhà văn tài năng phát triển thoải mái hơn trong làn da của anh ta và không sợ đặt tên cho một bài hát theo chủ đề cũ Detlef Schrempf mặc dù chủ đề không liên quan, thanh lịch của nó. Cấmcorey Dubrowa 36. Brittany Howard: Jaime (2019)
35. Áo khoác buổi sáng của tôi: Z (2005)Hỏi năm người hâm mộ loại nhạc Kentucky, chiếc áo khoác Morning My Morning của tôi chơi, và bạn sẽ nhận được năm câu trả lời khác nhau. Nó có một trong những quốc gia. Hoặc nó Hoặc nó có thể là không gian. Từ ngữ miền nam, thường được sử dụng như một công cụ sửa đổi, và từ hồi âm là chắc chắn được đề cập. Nhưng các nhãn làm thất vọng áo khoác buổi sáng của tôi, không phải vì không ai trong số họ áp dụng, mà bởi vì tất cả chúng áp dụng lúc này hay lúc khác. Xin vui lòng, nó có thể giữ được dấu gạch chéo. Sự thất vọng với cuộc bầu cử năm 2004, Jim James đã nói với Paste vào năm 2005, [[Tôi] viết những bài hát mà tôi cảm thấy thực sự buồn bã và tức giận, và tôi không biết phải nói gì mọi lúc. Vì vậy, các hợp âm chỉ khóc cho những gì mà xảy ra. Sự thất vọng không rõ ràng nghe có vẻ như là một cơ sở mỏng manh cho sáng tác, và có lẽ nó sẽ dành cho một ban nhạc khác, một ban nhạc không dựa vào các kim tự tháp tuyệt đẹp của giọng hát hồi âm. Nhưng trong đoạn điệp khúc không có lời, bài hát mở đầu của Z Z, bài hát của AH AHS, nhận được điểm tốt hơn ngôn ngữ có thể. Album kéo dài âm thanh áo khoác buổi sáng đã mở rộng của tôi, trong khi loại bỏ các yếu tố không cần thiết và cắt tỉa một số gây nhiễu kết thúc mở. Tất cả mọi thứ, từ linh hồn mắt xanh và Crazy Horse Stomps cho đến chiếc áo khoác Mother Stadyy Facey Fill Fill Z, 46 phút, nhưng album có vẻ khác với những người tiền nhiệm của nó, và vẫn là một trong những điều tốt nhất của họ. CấmReid Davis 34. Chất béo Domino: Rock và Rollin, với chất béo Domino (1955)Antione Dominique, Fats Fats, Domino Jr. đã bắt đầu âm nhạc ở tuổi 14, chơi piano ở New Orleans Bars dưới sự dạy dỗ của những người ban nhạc như Billy Diamond, người đã đặt cho chàng trai trẻ biệt danh của mình. Nhưng đó là những người độc thân ban đầu của anh ấy như là người nghèo, tôi, và tất cả đều khiến anh ấy chú ý, đầu tiên là trên Đài phát thanh đen trước khi anh ấy đánh bại Ain Ain't That Awe, đã đạt được vị trí số 10 trên bảng xếp hạng nhạc pop năm 1955. Những bài hát đó và chín bài hát khác đã được thu thập trên LP đầu tiên của anh ấy, Rock và Rollin 'với Fats Domino, vào năm 1955, bảy năm sau khi sự nghiệp ghi âm của anh ấy bắt đầu. Hầu hết các bài hát đều được đồng sáng tác với Trumpeter và đồng nghiệp của Crescent City Rock và R & B Pioneer Dave Bartholomew, người cũng từng là Domino, A & R Rep cho Imperial Records. Album cũng được phát hành ở Anh và là một trong những bản thu âm đen đầu tiên được khán giả da trắng chấp nhận, một phần nhờ vào piano dễ dàng boogie-woogie và bản chất vui vẻ và một phần do khả năng của Domino để tạo ra sự hấp dẫn, bồng bềnh, bồng bềnh , những giai điệu khó quên. CấmJosh Jackson 33. Molly Hatchet: Flirtin, với thảm họa (1979)Nếu bạn chưa biết rằng Molly Hatchet của Jacksonville chiếm những điểm cực lớn hơn của miền Nam Rock, với cạnh kim loại rõ rệt nhất của bất kỳ ban nhạc kinh điển nào của thể loại, thì bìa album của họ sẽ làm bạn biết. bao gồm. Một người này có một số loại viking cầm Axe chiến đấu chà đạp trên xương và một loại con rắn nào đó. D & D Redneck là một hiện tượng bị đánh giá thấp. Hatchet bắt đầu vào năm 71 nhưng đã không phát hành một album cho đến ‘78, tại thời điểm đó, kim loại kiểu Van Halen đã lên ngôi (họ thực sự đã thua trong thỏa thuận thu âm đầu tiên của họ vì nhãn hiệu có chữ ký Van Halen). Flirtin 'với thảm họa, album thứ hai của họ, được sản xuất bởi một anh chàng kim loại, và nó cho thấy: Nếu bạn thay thế tiếng thump sabbath của Blue Oyster cul Âm thanh giống như album này. Vâng, nó là một trong những người có Flirtin, với thảm họa trên đó. Nó có tên là bài hát hay nhất của Molly Hatchet, và album hay nhất. Nhà sản xuất tiếp tục làm việc với Poison và L.A. Guns. CấmGarrett Martin 32. Carl Perkins: Bản gốc vàng gốc (1969)Tennessee sườn Carl Perkins có thể là một ứng cử viên. Mặc dù đôi giày da lộn màu xanh da trời, được hầu hết mọi người nhớ đến như một bài hát của Elvis Presley, Perkins đã viết nó, ghi lại phiên bản dứt khoát và có một cú hích lớn hơn với nó. Và nếu anh ta gần như chết trong một vụ tai nạn xe hơi năm 1956, anh ta có thể đã tận dụng thành công ban đầu đó để trở thành một ngôi sao khổng lồ. Như vậy, ông đã trở thành một huyền thoại giữa các nhạc sĩ và nhà sưu tập thu âm, nếu không phải là công chúng. The Beatles đã thu âm ba bài hát của anh ấy, nhiều hơn những gì họ được ghi bởi bất kỳ nhà văn bên ngoài nào khác trong các album phòng thu gốc của họ. Bản tổng hợp năm 1969 này thu thập 11 bài hát hay nhất từ Perkins, 1955-1957 làm việc cho Sun Records, bao gồm giày da lộn màu xanh da trời, bài hát của ba Beatles và The Ultimate South-Rock Scorcher, Mitch Dixie Fried. CấmGeoffrey Himes 31. Tên lửa chai: Phía Brooklyn (1994)Hãy tưởng tượng trong một khoảnh khắc mà những người sống sót của vụ tai nạn máy bay Lynyrd Skynyrd năm 1977 đã quyết định tiếp tục và đã thay thế Ronnie Van Zant và Steve Gaines bằng Clash, Joe Strummer và Mick Jones. Ban nhạc tái sinh sẽ có tất cả: Redneck Country-Rock với ý thức giai cấp trong khuôn mặt của bạn và nhạc punk-rock cockney với swing và guitar. Nó có vẻ rất giống như những chiếc Rockets trong cái này, album thứ hai của họ, The Brooklyn Side. Các thành viên thực sự của các tên lửa chai được ca ngợi từ Festus, Mo., và họ đã hát về văn hóa áo sơ mi cổ áo và áo khoác màu xanh của Trung Mỹ từ trong ra ngoài. Khi họ thông cảm với một người mẹ phúc lợi bị một thượng nghị sĩ béo béo lên, họ làm như vậy với một giai điệu trên đồi có mặt dobro và họ chỉ ra rằng người mẹ này, âm nhạc phúc lợi này là một người Carlene Carter Carter và Loretta Lynn. Nhưng họ cũng tôn vinh sự phấn khích của tình yêu mới với cái móc guitar không thể cưỡng lại của Gravity Fails, và những bản hòa âm giọng hát/guitar chóng mặt của Hồi I Illll sẽ xuất hiện xung quanh. CấmGeoffrey Himes 30. Gary Clark Jr .: Vùng đất này (2019)
29. Tony Joe White: Black and White (1969)Learning that Creedence Clearwater Revival came from California and not the South is a bit like learning the truth about Santa Claus. It’s part of growing up, and something that you don’t want to believe at first. If oldies and classic rock radio did as much to keep Tony Joe White’s legend alive, we probably wouldn’t even need Creedence, much less feel betrayed when we realize they weren’t who we assumed they were. White was raised in Louisiana and since the ‘60s has been an acknowledged master of swamp rock, which is like if the blues, zydeco and hillbilly rock were all thrown into a huge pot that White then shouted nonsensical guttural exclamations into. Imagine CCR songs like “Suzie Q” and “Born on the Bayou” but made by a guy who actually was born on the bayou. White arrived fully formed on his first album, Black and White, which is full of these loping, monotonous basslines with White alternately soloing and moaning over them. The most famous song on here is “Polk Salad Annie,” which 1) is amazing, 2) is most famous for the version Elvis did in the ‘70s, and 3) could only have been written by an actual Southerner who had real-life experience eating polk salad. The only complaint I have about Black and White is that the 10 equally amazing songs on White’s other 1969 album, ...Continued, aren’t on it. —Garrett Martin 28. Stevie Ray Vaughan: In Step (1989)By 1989, Stevie Ray Vaughan had firmly established himself as the most electrifying blues guitarist of his generation with 1983’s Texas Flood and 1984’s Couldn’t Stand the Weather. But he was at something of a nadir as he approached his 1989 record In Step: Newly divorced and sober, having barely escaped the clutches of whiskey and cocaine, Vaughan set about recording In Step with clouds of doubt hanging over his career. Perhaps that’s why the album sounds so fresh. With new songwriting partner Doyle Bramhall at his side, Vaughan veered toward rock ‘n’ roll on rave-ups like “The House Is Rockin’” and “Scratch-N-Stiff,” putting more pianos and horns in his Texas gumbo and consequently earning more airplay on rock radio. He also faced his substance abuse head-on in crossover songs like “Tightrope” and “Crossfire,” the latter becoming his first and only No. 1 hit. With a new lease on life, Vaughan sounds energized and introspective on In Step, his inflammatory guitar still throwing sparks all over the place. He perished in a helicopter crash the following year. —Matthew Oshinsky 27. Alabama Shakes: Boys & Girls (2012)Undeniably at the center of The Alabama Shakes’ debut record is Brittany Howard’s ascendant balladeering, which allows the Alabama Shakes to explore a sound made famous by the twin giants of Motown and Muscle Shoals. Her voice races from falsetto to growl to wail so quickly that she often changes direction mid-word, and that dynamism gives even the Shakes’ slowest songs a restless, animal energy that is impossible to ignore. Howard’s sound contains distinctive elements of Janis Joplin’s flint and spontaneity, Aretha Franklin’s depth and power and at times even the sweetness of Diana Ross. Despite the tendency of listeners to lump the band into the category of soul revivalists, Boys & Girls was best enjoyed not as an anachronism but as a fresh take on sounds from a bygone era. The Shakes looked to punk and hard rock as much as anything, and the melding of those influences with their rootsy, passionate appeal resulted in a style all their own, free of cynicism and brimming with vitality. —Eli Bernstein 26. Booker T. & the M.G.’s: Green Onions (1962)
25. Black Oak Arkansas: High on the Hog (1973)There are certain things you just have to learn to accept from Southern rock bands, especially ones from the ‘70s, that you wouldn’t be expected to tolerate from any other kind of music. (No, I’m not talking about the damn rebel flag; you never have to accept or tolerate that embarrassment.) High on the list: scrawny, long-haired white boys talking about sex, and how much sex they have, and how good they are at sex. That’s the stock in trade of Jim “Dandy” Mangrum, lead singer of Black Oak Arkansas, a band that hails from a town called, yes, Black Oak, Ark. Their fifth album, High on the Hog, is the best showcase for Mangrum’s backwoods vocals and the high-energy solos and riffing from the band’s three-guitar core. This is a record whose best three-song stretch includes such titles as “Happy Hooker,” “Red Hot Lovin’” and “Jim Dandy,” a cover of an R&B classic about a guy who—well, you can probably figure that out. There’s a certain level of raunch found in Southern rock that, along with such non-Southern fellow travelers as Aerosmith and Ted Nugent, influenced the sex-crazed hair metal of the ‘80s; High on the Hog, and Black Oak in general, overdoses on that raunch and then comes back for more. —Garrett Martin 24. Outlaws: Outlaws (1975)Are you from the South? Do you own a musical instrument? There’s a great chance you were in Outlaws once. Tampa’s foremost country-rock guitar army has literally had about 50 members at this point in its history. Although still a potent live band, no matter who’s in it that week, there’ll always be an element of chasing that first gasp of glory. This is one of those bands whose first album (the first of 17 or so over the last 43 years) was its very best. The 1975 self-titled debut is bookended by two timeless classic rock-radio staples, “There Goes Another Love Song” and the 10-minute epic “Green Grass & High Tides.” Between them are eight other songs that easily could’ve been as huge, as they all follow a dynamite formula of catchy choruses with bright harmonies, alternating with extremely long, technically complex guitar solos by three guitarists who regularly rotate on lead. It’s somehow incredibly flashy but also humble and laid back, which is sort of what Southern rock should sound like. And really, as good as the album it is, it could just be one song, “Green Grass & High Tides,” and it’d still make this list—it’s the “Free Bird” for people who are sick of hearing about “Free Bird.” —Garrett Martin 23. The Black Crowes: The Southern Harmony and Musical Companion (1992)After the commercial success of their solid and straightforward 1990 debut Shake Your Money Maker, the Atlanta hippy throwbacks took a giant leap forward with their second effort, plugging in new and better instrumental elements and writing a batch of songs that built on their Stones of the South bedrock with nimble, cocksure jaunts into psychedelia, blue-eyed soul, and British black-magic riffage. Marc Ford was a huge upgrade on lead guitar, giving the Crowes the true gunslinger they lacked on Money Maker and lifting punchier songs like “Sting Me” and “Hotel Illness” into mini-epics. And new organist Eddie Harsch helped free the band from the confines of bar-band bromides with an agile undercurrent of psych, folk and saloon keys. The Robinson brothers took the opportunity to spread their songwriting way out, juicing the Faces and the Allmans with the forcefulness of the hard-rock ‘80s and arriving at an early career peak. “Remedy” rumbles down three descending chords and “Sometimes Salvation” rides them right back up, lurching all the way to screaming redemption “in the eye of the storm.” The climax comes in the woozy slide-guitar workout “My Morning Song,” with Chris Robinson preening in pure LSD-freak euphoria and the twin guitars of Ford and Rich Robinson leading the band to the edge of collapse and back. The Crowes would never get it this right again. —Matthew Oshinsky 22. Lynyrd Skynyrd: Second Helping (1974)If this Jacksonville band found its sound (The Rolling Stones relaunched in Florida biker bars) on its debut album, (Pronounced Leh-nerd Skin-nerd), it found its songwriting voice on this sophomore release. On songs such as “Sweet Home Alabama,” “Workin’ for MCA” and “The Needle and the Spoon,” lead singer Ronnie Van Zant was able to dig into the tensions between North and South, musicians and labels, drug highs and drug lows and reveal the humanity of all involved. And with songs such as “The Ballad of Curtis Loew,” he showed a surprisingly tender sympathy. This is where they proved just how much range a Southern rock band could have. —Geoffrey Himes 21. Alejandro Escovedo: Gravity (1992)The son of Mexican immigrants, Alejandro Escovedo grew up as a surfer and punk-rocker in California, but it wasn’t until he moved to Texas that he was able to put those two halves of his identity together, first with the overlooked roots-rock band The True Believers and then with a solo career that began with this stunning album. With his Mexican background reflected in the violins and lilting melodies of his parents’ homeland and his punk-bohemian side echoed in the spiky electric guitar riffs of the West Coast demimonde, the two sides were bridged by the singer’s spare but evocative lyrics, which distilled conversations on both sides of the border to their aphoristic essence. —Geoffrey Himes 20. The Avett Brothers: Emotionalism (2007)In the late ’60s, The Band’s earnest roots rock helped topple nonsensical hippie credos like “Don’t trust anyone over 30.” Similarly, The Avett Brothers did their best to combat modern-day hipster detachment and pseudo-coolness with Emotionalism’s simple, poetic story-songs and bittersweet, introspective laments. The album—down to the title itself—was a celebration of unselfconscious passion and a huge step forward musically: The relative sonic polish worked magically in contrast to the Avetts’ jagged edge; they went beyond their core of acoustic guitar, banjo and upright bass (a change foreshadowed by Four Thieves Gone’s “Colorshow”), adding piano, B3, drums, electric guitar and mandolin; the vocals felt more carefully arranged, relying less on energetic screams and shouts and giving the melodies room to breathe; and the influences peeking through were more varied than ever, the music sporadically reminiscent of everything from Help!-era Beatles to Chopin nocturnes. This was the album where the Avetts, long deemed “promising” by critics, began unflinchingly—unguardedly—delivering on that promise.—Steve LaBate 19. Gregg Allman: Laid Back (1973)You’ll recognize a lot of song titles when you look at the back cover of Gregg Allman’s first solo album. There are rerecorded versions of Allman classics, including a swampy, haunted version of “Midnight Rider,” and an overwrought take on the underrated gem “Please Call Home.” There’s a funereal take on the Carter Family’s adaptation of “Will the Circle Be Unbroken.” There’s a cover of Jackson Browne’s “These Days” (made famous by Nico) that’s all steel guitar glissando, Allman’s mournful vocals and the warm glow of an electric piano. And then there’s “Queen of Hearts,” which is not the Hank DeVito song that Juice Newton made famous, nor the traditional ballad that Joan Baez popularized, but an epic Allman original that’s both mournful and triumphant at the same time. That basically summarizes the album—don’t expect the guitar-heavy jams of the Allman Brothers, but a sad, contemplative record that sounds like the morning after the parties heard on Eat a Peach and At Fillmore East. —Garrett Martin 18. Elvis Presley: The Sun Sessions (1975)A persuasive case can be made that this is the best rock ’n’ roll album of all time. It wasn’t the first time someone had blended the Southern ingredients of blues, gospel and country music over a propulsive 4/4 beat into a new music dubbed rock ’n’ roll, but no one ever did it better. While his role models had lamented the inevitable frustrations of this world, Mississippi’s Elvis Presley shrugged off all such worries with a blithe confidence and a thrilling vibrancy of optimism that changed American culture forever. Thirteen of these 16 tracks have neither drums, electric bass nor solid-body guitar, proving rock ’n’ roll wasn’t defined by technology so much as an attitude—and no one had more attitude than Presley. The songs here, recorded in 1954 and 1955, weren’t collected into an album until 1975 in England, but these recordings—made at the same time by the same Southern musicians under the same Southern producer—have a coherence of sound and spirit that few other albums can match. —Geoffrey Himes 17. Steve Earle: Guitar Town (1986)If Bruce Springsteen had grown up in Texas listening to Lefty Frizzell on the radio in a beat-up pick-up truck, he might have sounded a lot like Steve Earle. Earle has the Boss’s ability to tell blue-collar stories with just the right details and just the right guitar licks, but Earle sets his tales in small Texas towns and gives his riffs a tell-tale twang. Earle, who once played bass for Guy Clark, cut some singles for Epic that went nowhere, but 1986’s Guitar Town was his debut album, and he never topped this country-rock evocation of the forgotten kids too small for a football scholarship, too restless to stay home and too tough to give up. Co-producers Emory Gordy and Tony Brown turned four of them (“Hillbilly Highway,” “Guitar Town,” “Someday,” and “Goodbye’s All We’ve Got Left”) into Top 40 country hits. But at its heart, this is simply the twangier side of Southern rock. —Geoffrey Himes 16. Big Star: #1 Record (1972)Years after his untimely death at 59, Memphis son Alex Chilton has remained a cult hero. Chilton first rose up to pop stardom as a member of The Box Tops in his teens, then threw that success away to join the chaotic, whiskey-driven rock ’n’ roll scene in his hometown, both as a member of Big Star and as a solo artist and producer. Along with master guitarist and singer-songwriter Chris Bell, Chilton formed Big Star in the early ’70s as a breath-of-fresh-air alternative to the stadium-sized rock that ruled the radio at that time. Rooted in the heart of Memphis, Big Star wrote Beatles-esque arrangements with a Southern twist, releasing a debut album that would later influence R.E.M., Elliott Smith and The Black Crowes, among many others. Though they wouldn’t achieve much commercial success until years later, #1 Record is Big Star’s underdog masterpiece of melody and conviction. The Allman Brothers weren’t the only Southerners kicking up a new storm in 1972. —Loren DiBlasi 15. Jerry Lee Lewis: Jerry Lee Lewis (1958)Despite a somewhat tame-looking cover, Jerry Lee’s eponymous debut raised the bar for every rowdy, rambunctious, hells-a-poppin’ insurgent that would follow in his footsteps. It offered definitive proof that this particular son of Louisiana had no qualms about turning the tables on the genteel manners and polite reputation credited to those who dwelled below the Mason Dixon Line. Indeed, other than Little Richard, no other piano player came across as such a barroom brawler, and this album not only set the standard, but laid the course for all that would follow. Ironically, Sun Records owner and producer Sam Phillips opted not to include two of Lewis’s biggest hits at the time, “Great Balls of Fire” and “Whole Lotta Shakin’ Going On,” though with “High School Confidential” and a slew of sometimes curious covers — “Don’t Be Cruel, “Goodnight Irene,” “Jambalaya,” and “When the Saints Go Marching In,” among them — Lewis still managed to etch an indelible impression. —Lee Zimmerman 14. Drive-by Truckers: Ngày trang trí (2003)Trong album đôi đột phá của DBT, 2001, Southern Rock Opera, ban nhạc đã trao đổi cách tiếp cận của ALT-Country, Red Red Redeck Underground, cho một sự rung cảm của Skynyrd-meet-Crazy-Horse. Vào ngày tiếp theo, ngày trang trí ngắn gọn hơn, các xe tải đã chưng cất âm thanh mới của họ từ 80 đến 100 bằng chứng. Bắt đầu để kết thúc, mọi vết cắt trên bản thu âm rễ rễ, không có nhuốm màu punk này là một tác phẩm kinh điển, như những người kể chuyện bậc thầy Patterson Hood và Mike Cooley làm sáng tỏ một người miền Nam thị trấn nhỏ, lạnh lùng. Với những giai điệu như House chìm Hole, (dựa trên bộ phim ngắn giành giải Oscar của Ray McKinnon, Kế toán), Rocker trung thực không thể thực hiện được Bản ballad âm thanh hay hơn trong bài hát, tầm cỡ của bài hát đã đi qua mái nhà như một vụ nổ súng ngắn. Và điều đó thậm chí không đề cập đến sự ra mắt của vũ khí bí mật của những người lái xe tải trong thời gian này Trong số các bài hát, ông đã đóng góp cho bản thu âm: Bộ trang phục Ballad của cha và con trai và bài hát chủ đề, với mối thù gia đình theo phong cách Hatfields và McCoys theo phong cách McCoys. Những người lái xe tải chưa bao giờ tự mình hơn vào ngày trang trí, và họ không bao giờ tốt hơn. 13. .38 ĐẶC BIỆT: Các chàng trai miền Nam mắt hoang dã (1981)Southern Rock cũng có một đội bóng pop, và 38 album đặc biệt 1981 đã đánh dấu sự khởi đầu của sự thống trị của ban nhạc Jacksonville trên mặt trận đó. Đó là album đầu tiên trong các album của ban nhạc bán được hơn một triệu bản, và nó mang lại ba đĩa đơn được xếp hạng. Donnie Van Zant (em trai của thủ lĩnh ban đầu của Lynyrd Skynyrd, Ronnie Van Zant, và anh trai của người đàn ông đã thay thế Ronnie, Johnny Van Zant), Don Barnes và Co. -head những giai điệu, mà họ có một sở trường cụ thể. Cùng với ca khúc chủ đề, các chàng trai miền Nam hoang dã bao gồm các mặt hàng chủ lực của FM-Radio, giữ trên một cô gái tưởng tượng lỏng lẻo và Hồi, sẽ quen thuộc với bất cứ ai đã nghe một trạm rock tại bất kỳ thời điểm nào trong 35 năm qua. Cấmeric R. Danton 12. Bo Diddley: Bo Diddley (1958)Để hạn chế Ellas McDaniel (còn gọi là Bo Diddley) trở thành một nghệ sĩ nhạc blues hoặc R & B là bỏ qua tác động của người bản địa Mississippi đối với sự ra đời và phát triển của rock. Tất nhiên, anh ta đã ảnh hưởng đến Elvis Presley, nhưng anh ta cũng đã lưu diễn ở Anh với một ban nhạc vô danh có tên The Rolling Stones, người đã bắt đầu chơi cover Bo Diddley, Muddy Waters và Little Richard. Bo Diddley, một bản tổng hợp của những người độc thân cuối thập niên 50 của anh ấy, đã khởi động giai đoạn sung mãn nhất của anh ấy vào năm 1958, anh ấy đã phát hành 11 LPS trên cờ trong thời gian sáu năm. Nó đặt nền tảng cho thể loại nhạc rock mới của nhạc rock với chữ ký bo diddley beat, nhịp blues được đồng bộ hóa mà đã xuất hiện trong các bài hát rock kể từ đó (nghĩ rằng Desire Desire của U2 hoặc Magic Magic Bus của WHO). Không phải là một bài hát ở đây dài hơn ba phút, và họ đã được mọi người từ George Thorogood bao phủ, cánh cửa và chuỗi Jesus và Mary (Bạn yêu ai? Diddy Cảnh) cho các động vật (điều đẹp đẽ). CấmJosh Jackson 11. Ban nhạc Allman Brothers: Ăn một quả đào (1972)
10. Ban nhạc Marshall Tucker: Ban nhạc Marshall Tucker (1973)Khi bạn nghĩ rằng Nam Southern Rock, thì sáo có lẽ không xuất hiện trong tâm trí, nhưng ban nhạc Marshall Tucker, từ Spartanburg, S.C., không bao giờ quan tâm đến các tiêu chuẩn thể loại điển hình. Mitchut có tựa đề của họ cung cấp mọi thứ bạn mong đợi từ Southern Rock: giọng hát mạnh mẽ, hài hòa với twang, solo guitar jangly và fiddle ngon lành, nhưng họ nâng cao album với các nhạc cụ bằng đồng bất ngờ, các phần organ phúc âm và, tất nhiên là , người hâm mộ đáng khen ngợi của họ, Jerry Eubanks. Tất cả cùng nhau, nó thật đáng ngạc nhiên nhưng hết sức mạnh mẽ. Các bản nhạc nổi bật bao gồm nhóm Ram Ramblin, và ban nhạc Hill Hillbilly, nhưng nhưng không nên quên đi bộ trưởng Đài phát thanh cổ điển, có thể thấy bạn có thể thấy. Có một lý do mà nó đã chơi nhiều lần một ngày trên FM trên cả nước. Đen 9. Jason Isbell: Đông Nam (2013)Vài năm đầu tiên của sự nghiệp solo của Jason Isbell, cuối cùng của những người lái xe tải, đã bị bao vây với các vấn đề cá nhân, bao gồm một cuộc đấu tranh được công bố rộng rãi với lạm dụng rượu, và ba lần đi chơi đầu tiên của anh thường chơi như quá nhiều điều tương tự. Nhưng với Đông Nam, Isbell đã phá vỡ chuỗi may mắn của mình, tạo ra một album xứng đáng với tài năng đáng kể của anh ấy. Mỗi bài hát là một stunner. Một trong những bài hát tình yêu nhẹ nhàng, khăng khăng, và mặt khác là một minh chứng di chuyển cho sự cứu chuộc cá nhân không bao giờ nhắm mắt làm ngơ trước sự bừa bãi trong quá khứ. Nó thiết lập giai điệu cho phần còn lại của album, được ban cho lời hứa lãng mạn và khả năng đau khổ ngày càng hết hạn, cả tự cảm ứng và tùy tiện. Tốt như các bài hát, tiếng hát của Isbell có thể còn tuyệt vời hơn nữa. Baritone của anh ta, luôn luôn giàu có, ở đây sâu sắc ở đây bởi một sự ghê tởm khiến Đông Nam trở thành một chất lượng có hồn thực sự. Theo bất kỳ tiêu chí thẩm mỹ hợp lý nào, Đông Nam là một chiến thắng, trong số các biểu hiện mạnh mẽ nhất của các kỹ năng sáng tác và sắp xếp của Isbell (bao gồm cả đầu ra lái xe của anh ta). Ăn, Adams 8. ZZ Top: Tres Hombres (1973)Trong khi Lynyrd Skynyrd và Duane Allman-Worman Brothers đang bận rộn với Florida Boogie của họ với những bản ballad và nhạc jazz, ZZ Top đã kết thúc ở Texas để loại bỏ vecni và chỉ để lại những thành phần thiết yếu. Trong album thứ ba của họ, bộ ba ít nhiều đã hoàn thiện công thức sẽ giữ chúng trong dầu râu trong bốn thập kỷ tiếp theo: Take the Roadhouse Rhythms of Blues Masters John Lee Hooker và Jimmy Reed và chơi chúng nhanh hơn, chặt chẽ hơn và với mức tăng chuyển sang 10 cho đám đông đá cứng thập niên 70. Đoạn riff mở đầu trên Hồi Waitin, cho xe buýt, Slither ra khỏi bất cứ điều gì Houston đầm lầy Billy Gibbons, Dusty Hill và Frank Beard đã đi chơi trước năm 1973, tất cả đều ẩm ướt và nhếch nhác. Với bộ ba trong khóa hoàn hảo. Tres hombres di chuyển về phía trước từ đó với động lực đột ngột: Những người uống bia bia và những người đi đường địa ngục về cơ bản là một camaro ‘73 với một bản độc tấu guitar kickass ở giữa; Tiết kiệm và ân sủng của người Viking vặn vẹo trên lưỡi dao cạo; Và La La Grange, thành tích của ban nhạc, thành tích, là một kẻ điên cuồng với một nhà điếm ở Texas, đã lột bỏ một đoạn riff bộ xương với giọng hát của Gibbons và một rãnh phía nam rất thuần túy, họ đã kiện vì nó. Và thắng. Mạnhmatthew Oshinsky 7. Lucinda Williams: Bánh xe ô tô trên đường sỏi (1998)Cho đến khi album này, Williams chủ yếu được biết đến với bài hát của cô, kiếm được một giải Grammy cho bài hát đồng quê hay nhất với Mary Chapin Carpenter, Crossover Hit Hit Kisses. Nhưng bánh xe ô tô đã thành lập Williams như một nghệ sĩ thu âm cực kỳ mạnh mẽ. Mặc dù có lịch sử đầy biến động và dài dòng của các bản ghi lại và thay đổi hợp tác, mỗi bài hát đều đứng vững. Từ sự kiềm chế ướt át, hơi thở của cô ấy, Baby, trên ca khúc mở đầu, đúng lúc, đến với sự tôn vinh cảm xúc của cô ấy đến The Opd Over Blaze Foley trên Hồi Drunken Angel, những câu chuyện trong các bài hát, cùng với một bản vẽ miền Nam, miền Nam của miền Nam, miền Nam của miền Nam Đàn guitar rock, đóng vai trò là nhạc nền hoàn hảo cho một đường lái xe qua phía nam. 6. Little Richard: Ở đây, Little Richard (1957)Nếu có những khoảnh khắc xác định của rock roll, theo dõi một, một bên trong album đầu tay của Little Richard, là một trong số đó. Ngay lập tức, Tutti Frutti đã công bố sự hiện diện của mình với những lời giới thiệu ngoài tầm kiểm soát của Richard. Đây là âm thanh của hàng triệu thanh thiếu niên nhận ra rằng họ có thể có một bản nhạc của riêng họ, và nó có thể được chơi bởi một người đàn ông da đen lòe loẹt từ Macon, Ga. Những bài hát này, bao gồm cả Slippin 'và Sliden', Long Sally Long Sally và Rip Rip nó, khiến người hâm mộ tại Little Richard Buổi hòa nhạc vào cuối những năm 1950 phát điên, leo lên các Bannisters, vội vã trên sân khấu và, vâng, ném quần lót lên sân khấu. Đây là âm nhạc mà cha mẹ bạn sợ sẽ làm hỏng thế hệ con cháu của họ. Nói cách khác, đây là rock rock n n n n n n n n n n n n n n n n n n n n ở roll rock. CấmJosh Jackson 5. R.E.M .: Murmur (1983)Bạn biết về sự lầm bầm, câu chuyện lẩm bẩm, câu chuyện thành công độc lập, cuộc chinh phục đồng thời của đài phát thanh đại học và Rolling Stone, và sau đó, thế giới. Nhưng có lẽ bạn không biết làm thế nào Punk chưa bao giờ kết hôn với nguồn gốc Gothic miền Nam với Rickenbacker Arpeggios cho đến khi đài phát thanh miễn phí ở Châu Âu, và Sat Sat Sap Still, đã làm cho các ban nhạc như DB DB DB. Có lẽ khi nhìn lại, nó thật tuyệt vời khi nói về niềm đam mê và một vòng tròn hoàn hảo, là những bản ballad sức mạnh như vậy. Và có lẽ bạn không thể hiểu được một từ của ki -ốt đạo đức, một cách khác, chúng tôi đi bộ để nghe cách mọi sự hài hòa kỳ lạ, liếm lướt và bóng bi -a quá mức có ý nghĩa hoàn hảo khi đến từ miệng của Michael Stipe. Dark và Rêu, đó là một sự phân tích lại của miền Nam Rock với một thái độ khác biệt khác biệt, đã nói nhiều từ Tom Petty và ngôi sao lớn cũng như từ thể loại sáng lập của họ, nhưng không thể phủ nhận rằng đó là cả miền Nam và Rock. - Dan Weiss 4. Drive-by Truckers: Southern Rock Opera (2001)Mike Cooley và Patterson Hood đều lớn lên ở Quad City (còn gọi là The Shoals) của Tây Bắc Alabama. Cha của Hood, David, là tay bass trong phần nhịp điệu cơ bắp huyền thoại được chơi trong các bản thu âm của Aretha Franklin, The Rolling Stones, The Staple Singers, Paul Simon, Jimmy Cliff và nhiều hơn nữa. Nhưng Patterson đã nổi dậy chống lại di sản đó bằng cách tham gia một loạt các ban nhạc rock garage punkish. Anh ta 21 tuổi khi gặp Cooley 19 tuổi trong mạch đó. Họ đã hình thành con mèo nhà Adam, nhưng họ đã sẵn sàng nắm lấy gốc rễ của họ, Hood nói với Paste vào năm 2014: Chúng tôi đã chạy từ miền Nam của chúng tôi và rất nhiều thứ khác mà chúng tôi thực sự đã thực sự. Cooley là người có ảnh hưởng lớn của Carl Perkins, và tôi đã quá bị cuốn vào sự thay thế và R.E.M. chú ý. Những người lái xe tải lái xe là ban nhạc Cooley muốn Adam House House Cat. Tất cả những năm sau đó, chúng tôi đã chấp nhận miền Nam của chúng tôi, nhưng tại thời điểm đó có vẻ quá dễ dàng. Cooley cuối cùng cũng bắt đầu viết các bài hát sau khi anh tách khỏi Hood, người chưa bao giờ ngừng viết. Khi Hood chơi những bài hát mới của mình, anh biết họ xứng đáng với một ban nhạc đằng sau họ và anh biết rằng ban nhạc phải bao gồm Cooley. Vì vậy, anh ta đã cào một số tiền để ghi lại một người duy nhất ở Athens và mời người bạn cũ bị ghẻ lạnh của mình để chơi trong phiên. Mọi thứ đã nhấp, và chẳng mấy chốc, những người lái xe tải đã được sinh ra. Họ đã bùng nổ ý thức quốc gia với album khái niệm CD đôi 2001, Southern Rock Opera, A Song Chu kỳ về Lynyrd Skynyrd, Molly Hatchet, Neil Young, Bear Bryant, George Wallace và Hồi The Southern Thing. Ban nhạc xứng đáng với tất cả sự chú ý của nó, vì đó là một bản ghi âm tuyệt vời. CấmGeoffrey Himes 3. Lynyrd Skynyrd: (phát âm ‘L?(Phát âm là 'l? Khả năng kích động những tiếng rên rỉ có thể nghe được từ bất kỳ khán giả nào trên toàn thế giới. Quan trọng hơn, album có hai trong số những bài hát rock tuyệt vời nhất mọi thời đại: Người đàn ông đơn giản và người đàn ông thanh lịch thứ ba, đã biến mất, điều này tạo ra những tác động không thể xóa nhòa đối với cả hai chương trình phát thanh nhạc rock và đài phát thanh nhạc rock cổ điển trên toàn quốc. Một bản ghi này có những tác phẩm kinh điển đó và cả Gimme ba bước, có lẽ là bài hát hay nhất về thương lượng cho cuộc sống của bạn với người chồng có súng của người phụ nữ mà bạn đang nhảy cùng. Và đừng quên những điều của người Viking, đã chứng minh những cậu bé miền Nam tóc dài này có một lương tâm xã hội và mối quan tâm bên ngoài Partyin, và uống rượu và nhớ những gì mà mẹ bạn đã nói với bạn. Một trong những album đầu tay tuyệt vời trong bất kỳ thể loại nào, phát âm là Leh-Nerd Skin-Nerd đã vẽ một bản đồ đến vùng đất vinh quang phía nam sau một cuộc tấn công ba guitar mà chúng ta đã thấy kể từ đó. CấmGarrett Martin 2. Johnny Cash: Tại nhà tù Folsom (1968)Nó không cường điệu khi nói rằng Johnny Cash tại nhà tù Folsom là kiệt tác của anh ta. Bắt đầu với bản phát hành năm 1957 của Sun Records ra mắt, Johnny Cash với cây đàn guitar nóng bỏng và màu xanh của mình (bao gồm cả nhà tù Folsom Folsom), anh đã tạo ra một loại đất nước mới bao gồm lòng trắc ẩn của những bản ballad dân gian truyền thống, nhổ nước bọt và nghẹt thở của Rockabilly, cạnh nguy hiểm của blues và vinh quang của phúc âm. Tiền mặt như nhiều như Elvis Presley hoặc Chuck Berry, đã đánh dấu tất cả những mâu thuẫn gai góc xác định âm nhạc nổi tiếng sau chiến tranh của Mỹ, từ nhạc rock roll đến hip-hop. Những dòng tuyệt vọng, khó khăn, không chính trị được đưa ra với một giọng nói phá vỡ phía sau clicka-clicka-chug của bass và guitar, tôi đã bắn một người đàn ông ở Reno, chỉ để xem anh ta chết (một nhà tù Folsom Folsom Blues), tôi có thể ' Không quên ngày tôi bắn con chó cái xấu đó xuống (Hồi cocaine blues,)-đã lặp lại trong kỷ nguyên đá, từ đất nước ngoài vòng pháp luật của Johnny Paycheck đến punk gothic của Nick Cave đến Hardcore hip-hop của Tupac Shakur. Nhưng cũng có lòng trắc ẩn tiền mặt. Có một liên kết trực tiếp từ 25 phút đến, tiền mà tiền mặt hát ở đây từ quan điểm của một người bị kết án về cái chết, đến Shakur's 16 trên Death Row, trong đó rapper cũng đảm nhận vai trò của một người bị kết án: Mẹ ơi, họ đã kết án tử hình / ngày hôm nay là ngày cuối cùng của con, tôi đang đếm từng hơi thở. Nó có sự pha trộn của thực tế cứng và sự đồng cảm mềm mại đưa khán giả nhà tù Cash Cash đến chân, la hét và huýt sáo sự chấp thuận tập thể của nó như thể các thủ tục tố tụng có thể biến thành một cuộc bạo loạn nhà tù bất cứ lúc nào. Như Rosanne Cash đã nói trong một trong những phần bổ sung DVD đi kèm với việc phát hành lại năm 2008, Rebellion Rebellion không bao giờ cũ, và ở đó, chỉ có một người khổng lồ ‘Fuck You, trong toàn bộ hồ sơ để có thẩm quyền dưới mọi hình thức. Và điều đó rất quyến rũ, bất kể thế hệ là gì. Giankandy Whitman 1. Ban nhạc Allman Brothers: Tại Fillmore East (1971)Theo nhiều cách, album nhạc rock miền Nam tinh túy, tại Fillmore East có các màn trình diễn dứt khoát của một số giai điệu nổi tiếng nhất của Allman Brothers, bao gồm một phiên bản nhảy của Blind Willie McTell's Statesboro Blues, , Và những người đột phá, trong bộ nhớ của Elizabeth Reed, nhạc cụ gốc đầu tiên của ban nhạc có sự tham gia của các guitar dẫn đầu Dueling của Duane Allman và Dickey Betts, vị trí lãnh đạo vĩ đại nhất trong lịch sử nhạc rock. Album là một tài liệu của nhóm tốt nhất: Gregg Allman đóng đinh sự cân bằng giữa oi bức và thương tiếc trong giọng hát của anh ấy, Betts và Duane chơi cùng trực quan đến nỗi có vẻ như họ là anh em, và phần nhịp điệu hai lần Toàn bộ điều cùng với kỹ năng hoàn hảo. Được ghi lại trong hai đêm tại Phòng khiêu vũ New York Storied của Bill Graham, tại Fillmore East đã giới thiệu cơ sở tự nhiên của ban nhạc cho Deep Blues (T-Bone Walker's Stormy Thứ Hai) và Jazz tiến bộ (The Hot 'Lanta' Các nhà cung cấp ra mắt của chủng nhạc rock có trụ sở tại miền Nam nhanh chóng này. Cùng với The Grateful Dead, người đã tham gia vào âm nhạc truyền thống của Mỹ đã khiến họ trở thành những ngôi sao ở Bờ Tây, Allmans đang rình rập một dấu vết cho mọi ban nhạc được thử nghiệm trên đường có cổ phiếu trong giao dịch là chương trình trực tiếp, chứ không phải các bản ghi âm của nó. Chỉ với bảy bài hát kéo dài hơn 78 phút, tại Fillmore East là một lớp học chính trong tất cả các cách mà nhạc rock đã được điều chỉnh và định hình lại bởi một thế hệ người mang ngọn đuốc mới, với sự nhấn mạnh giữa việc tôn vinh nguồn gốc của âm nhạc và đẩy nó lên phía trước để tiến tới Heretofore không xác định chiều cao của phép thuật công cụ. Album này cũng lịch sử vì sự hiện diện của nó với tư cách là Duane Allman, chia tay: Anh ấy đã chết trong một vụ tai nạn xe máy vào tháng 10 năm 1971, ba tháng sau khi phát hành. Betts sau đó sẽ gọi tại Fillmore East the Allmans Hồi Hồi Pinnacle. Trong trường hợp đó, nó cũng là đỉnh cao của thứ mà chúng ta gọi là miền Nam Rock. Cấmeric R. Danton Ai là ban nhạc rock miền Nam vĩ đại nhất mọi thời đại?1 - Lynyrd Skynyrd Band Southern Rock của Mỹ, được thành lập tại Jacksonville, Florida. Vào năm 2004, Tạp chí Rolling Stone đã xếp hạng Lynyrd Skynyrd số 95 trong danh sách các nghệ sĩ vĩ đại nhất mọi thời đại của họ.Lynyrd Skynyrd
American southern rock band, formed in Jacksonville, Florida. In 2004, Rolling Stone magazine ranked Lynyrd Skynyrd No. 95 on their list of the “100 Greatest Artists of All Time”.
Những ban nhạc nào được coi là ban nhạc rock miền Nam?Southern Rock: Giới thiệu về thể loại và các ban nhạc quan trọng của nó.. Allman Brothers Band. Nếu bạn đang tìm kiếm sự khởi đầu của miền Nam Rock, có thể không có nơi nào tốt hơn để bắt đầu hơn Allman Brothers. .... Lynyrd Skynyrd. .... Núi Ozark Daredevils. .... ZZ Top. .... Những con quạ đen. .... Potliquor. .... Hank Williams Jr.. Michelle Malone .. Ai là tay guitar nhạc rock miền Nam giỏi nhất?Mười nghệ sĩ guitar hàng đầu của kỷ nguyên đá miền Nam.. Duane Allman.Duane là khá nhiều vị vua không thể tranh cãi của các nghệ sĩ guitar thời kỳ nhạc rock miền Nam..... Đồ chơi Caldwell..... Ed King..... Hughie Thomasson..... Allen Collins..... Dickey Betts..... Dave Hlubek..... Gary Rossington .. Đó là một ban nhạc rock miền Nam quan trọng?Ngoại trừ ban nhạc Allman Brothers, không có nhóm nào thể hiện kỹ hơn triết lý âm nhạc của miền Nam tốt hơn Lynyrd Skynyrd đã làm.Phong trào Outlaw Outlaw của Echoing Country Music, nhóm có trụ sở tại Jacksonville, Florida đã tán thành các truyền thống miền Nam trong bối cảnh nhạc rock and roll cứng rắn, cứng rắn.Lynyrd Skynyrd did. Echoing country music's “outlaw” movement, the Jacksonville, Florida-based group espoused southern traditions within the context of hard-edged, searing rock and roll. |
